Electrónica de vanguardia

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Unas barras de máxima calidad e higiene que además de fabricarlas a medida, ahora también se puede escoger el acabado que mejor se ajuste al ambiente, un lujo accesible. Gracias a su fabricación a medida integral, PRESTO adecúa los parámetros técnicos y estéticos de sus productos a lo que el cliente necesite.

Una personalización que cada vez cobra más fuerza y que ya la están avalando grandes obras de referencia que optimizan sus requerimientos y consiguen cumplir las normativas para las diferentes certificaciones sostenibles y energéticas. Este potencial se refleja en los nuevos catálogos de producto de Grupo Presto Ibérica, la era de la electrónica y la personalización, adelantándose al futuro asegurando las necesidades del presente.

Utilizamos cookies propias y de terceros para ofrecer nuestros servicios y recoger datos estadísticos. Continuar navegando implica su aceptación. Más información Aceptar. Tecnología electrónica de vanguardia y customización en el nuevo catálogo PRESTO 15 JUL PRESTO, marca de Grupo Presto Ibérica referente en colectividades, lanza su nuevo catálogo comercial con una gran oferta de grifería y sistemas de seguridad y ahorro de agua, y especial gama de ayudas técnicas y equipamientos; un amplio abanico de producto que muestra segmentado por tecnología y ámbito de uso.

Un año más se impone su compromiso por la sostenibilidad y salubridad de las personas, destacando sus gamas de tecnología electrónica y domótica, materiales salubres, así como su servicio de fabricación a medida que permite personalizar la instalación tanto estética como técnicamente consiguiendo certificaciones de edificación sostenible.

Su lanzamiento más notable, los novedosos kits de transformación. Con esta solución PRESTO consigue convertir la grifería temporizada mecánica ya instalada , en grifería electrónica de accionamiento mediante sensor, fácilmente y sin obras.

asistimos a un concierto; nos han dicho que se trata de algo muy avant garde , pero ni sospechamos que allí, en el escenario, no hay músicos; los únicos intérpretes son parlantes Las posibilidades tímbricas, rítmicas, texturales y formales de la música concreta y la música electrónica fascinaron a compositores antes dedicados a la música instrumental, pero siempre ocupados en la búsqueda de nuevas sonoridades.

Una célebre obra de Edgard Varèse la música para el audiovisual Poeme electronique, con imágenes de Le Corbusier , estrenada en en el pabellón Philips de la Feria Internacional de Bruselas, involucra sonidos generados electrónicamente y manipulaciones de sonidos ambientales, propendiendo así a la fusión de las corrientes concreta y electrónica, que tiempo después se denominaría música electroacústica.

También encontramos situaciones en las que la composición para voces e instrumentos tradicionales fue drásticamente influida por las experiencias en los estudios y laboratorios. De tal suerte, la música intrumental de Iannis Xenakis — emplea sonoridades como clusters superposición de sonidos consecutivos que impide diferenciar con claridad unos de otros , glissandos cambios graduales y continuos de altura de gran extensión poco frecuentes hasta entonces en música instrumental convencional, pero muy empleados en la música concreta y electrónica.

Por otro lado, siendo uno de los primeros en entrever las limitaciones del enfoque serial y de la indeterminación en estado puro, procuró una suerte formalización matemática de los procedimientos de azar, llegando hacia a lo que él mismo denominó música ecstocástica. IANNIS XENAKIS Y LA MÚSICA ECSTOCÁSTICA: BOSQUEJO PARA METÁSTASIS i Del mismo modo, es poca la música electrónica del húngaro radicado en Viena tras la intervención soviética György Ligeti — , pero la enorme cantidad de música que compuso con el cluster como material principal está indudablemente influenciada por su trabajo en los estudios de Colonia.

Su obra más famosa Atmósferas. de inauguró un estilo que sería frecuentemente imitado en la década de Las masas sonoras resultantes de la superposición de sonidos de diferente rítmica y a intervalos disonantes se organizan a través de lo que él mismo denominó micropolifonía. Allí el contrapunto renacentista del siglo XV adquiere una impensada resignficación: la disposición textural de los cluster organiza la forma a través de modificaciones en el registro, la densidad y la intensidad obtenidas a partir de procedimientos contrapuntísticos canónicos.

Como resultado, tras años de tendencia generalizada a la no linealidad discursiva, se establecen aquí puntos de llegada referenciales, dando lugar a una cierta recuperación de ideas de direccionalidad completamente abandonadas por el serialismo y la indeterminación.

Si bien su uso particular del cluster es diferente en bloques , el recurso a dispositivos contrapuntísticos como trocados e imitaciones es característico de la obra temprana del polaco Krsysztof Penderecki , quien también implementa formas ternarias en la Lamentación para las víctimas de Hiroshima , de así como estructuras propias del barroco en la Pasión según San Lucas, de Vistas como un desafío a la cultura oficial del bloque soviético, sus obras recibieron un muy fuerte apoyo en occidente.

Durante la década de , la música construida con masas sonoras obtuvo un cierto beneplácito del público, y, rara avis , se convirtió en una vanguardia que efectivamente podía vender algún que otro disco por fuera de los círculos intelectuales y ser parte de hechos masivos a escala mundial, como lo fue la inclusión de música de Ligeti en el film , Odisea del espacio, de Stanley Kubrick Como podrá entreverse, de los radicalizados puntillismos iniciales hasta las masas sonoras de los '60, las vanguardias prosiguieron un tránsito en procura de cierta inteligibilidad y de búsqueda de nuevas maneras de organizar los nuevos materiales.

Tránsito que las acercó cada vez más a recursos del pasado; y cada vez más a una paulatina aceptación aunque jamás a una escala siquiera comparable a la de músicas populares o del repertorio centroeuropeo tradicional del público. Un tránsito, en definitiva, que las alejó de sí mismas. Hacia mediados y finales de los '60 el vanguardismo dio paso al elclecticismo.

VOLVER A Vanguardias de posguerra II: Indeterminación IR A Hacia el fin de siglo.

Duration Una solución óptima y rápida, sin obras, para dotar a las instalaciones de máximo ahorro de agua, seguridad, higiene para evitar contagios, así La música electrónica es aquel tipo de música que emplea instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su producción e

Electrónica de vanguardia - Electrónica de vanguardia. En Eufònic hay espacio para todo tipo de propuestas, siempre con la experimentación y la búsqueda constante como objetivo, lejos de Duration Una solución óptima y rápida, sin obras, para dotar a las instalaciones de máximo ahorro de agua, seguridad, higiene para evitar contagios, así La música electrónica es aquel tipo de música que emplea instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su producción e

XX, a la par de los primeros inventos sonoros. Estos pioneros crearon y utilizaron los primeros instrumentos eléctricos, como el telharmonium o el theremín, y empezaron a escribir la historia de la música electrónica.

Pero todo se aceleró a partir de los años 50 y la aparición de los ordenadores. La música electrónica tal y como la conocemos ahora tiene otras inquietudes.

Como todos los estilos, la música electrónica surge en un contexto especial, impulsada e inspirada por personas que viven en unas circunstancias concretas y en una época determinada.

Uno de los géneros más populares de la música electrónica surgió en Detroit en la década de Un grupo de jóvenes interesados por la música empezaron a hacer música con todos los aparatos que encontraban: amplificadores, sintetizadores… Así fue como nació el tecno, que con el tiempo se convirtió también en una vía de escape y una forma de expresar su frustración por las desigualdades que vivía la ciudad.

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siguiente Las películas del joven director Rubén Sánchez llegan a varias plataformas en España. Cerrar los ajustes de cookies RGPD Resumen de privacidad Cookies estrictamente necesarias Política de cookies. Resumen de privacidad. La capital francesa será su centro de trabajo tanto en su desarrollo musical como en sus facetas de matemático y arquitecto siendo colaborador de Le Corbusier.

En Australia , se desarrolló la primera computadora del mundo capaz de interpretar música. Denominada CSIRAC fue un prototipo dado a conocer en diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard.

El matemático Geoff Hill programó la computadora para tocar melodías musicales populares de principios de la década de En interpretó en público la pieza Colonel Bogey March , de la que no se guardan grabaciones pero sí una reconstrucción exacta.

Sin embargo el CSIRAC simplemente se utilizó como una computadora con capacidad para interpretar un repertorio musical estándar pero no se llegó a utilizar para otras prácticas como la composición como si hiciera Iannin Xenakis. Las interpretaciones registradas con esta computadora nunca se grabaron aunque sí existen reconstrucciones de la música reproducida con precisión.

Las grabaciones más antiguas conocidas de música generada por computadora fueron interpretadas por la computadora Ferranti Mark I , una versión comercial para su venta fuera del circuito educativo de la computadora Baby Machine creada por la Universidad de Mánchester en el otoño de El programa musical interpretado por la Ferranti Mark I fue escrito por Christopher Strachey.

En aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Fueron importantes la creación del Estudio de Fonología, un estudio en el NHK de Tokio y el estudio de Phillips en Eindhoven , Holanda , que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en El impacto de los computadores continuó durante Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, siendo la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición.

Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories , quien desarrolló el influyente programa MUSIC I. La tecnología del vocoder fue otro importante desarrollo de esta época.

En , Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge , la primera gran obra del estudio de Colonia, basada en un texto del Libro de Daniel. Un importante desarrollo tecnológico fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott , con ensamblaje de Robert Moog.

Otro de los hitos de la música electrónica estadounidense fue la publicación de la banda sonora de Forbidden Planet compuesta y producida por Louis y Bebe Barron. Wilcox y protagonizada por Walter Pidgeon , Anne Francis y Leslie Nielsen , la música compuesta fue realizada empleando únicamente circuitos electrónicos personalizados y grabadoras de sonido.

Pese a la carencia de sintetizadores , en el sentido contemporáneo ya que dicho instrumento tardaría algunos años en desarrollarse, su impacto en la cultura popular fue notable ya que fue la primera ocasión en que un gran estudio de Hollywood apostó por este tipo de sonidos para uno de sus proyectos.

El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en A diferencia de los primeros Theremin y Ondes Martenot, este era difícil de usar pues requería una extensa programación y no podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico, el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula termoiónica e incorporaba el primer secuenciador.

Fue diseñado por RCA e instalado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, donde sigue en la actualidad. Posteriormente, Milton Babbitt , influenciado en sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento musical" de Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica.

Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la académica sino también para algunos artistas independientes a medida que la tecnología del sintetizador se volvía más accesible. En esta época, una poderosa comunidad de compositores y músicos que trabajaba con nuevos sonidos e instrumentos se había establecido y estaba creciendo.

Durante estos años aparecen composiciones como Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la premier de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión.

En esta última, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo acercamiento, que él denominó como "forma momento", se recuerdan las técnicas de cinematic splice del cine de principios del siglo XX. El primero de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla , en , siendo producto del esfuerzo del compositor de música concreta Morton Subotnick.

El Theremin había sido utilizado desde los años 20, manteniendo una cierta popularidad gracias a su utilización en numerosas bandas sonoras de películas de ciencia ficción de los años 50 por ejemplo: The Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann.

Durante los años 60, el Theremin hizo apariciones ocasionales en la música popular. En el Reino Unido, durante este período, el BBC Radiophonic Workshop creado en emergió como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie de ciencia ficción Doctor Who.

Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes de este período fue Delia Derbyshire. Es famosa por su icónica ejecución en del tema central de Doctor Who , compuesto por Ron Grainer y reconocida por algunos como la pieza de música electrónica más conocida en el mundo.

Derbyshire y sus colegas, entre los que se encuentran Dick Mills , Brian Hodgson creador del efecto de sonido TARDIS , David Cain , John Baker , Paddy Kingsland y Peter Howell , desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras, atmósferas, sinfonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio.

En , Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in Israel en la Universidad Hebrea , y en Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el centro. Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador, que fue creado mediante el RCA en el CPEMC.

Las colaboraciones se realizaban superando las barreras de los océanos y continentes. En , Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio CPEMC , siendo asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel.

La intensa actividad del CPEMC, entre otros, inspiró a la creación en San Francisco del Tape Music Center en , por Morton Subotnick junto a otros miembros adicionales, como Pauline Oliveros , Ramón Sender, Terry Riley y Anthony Martin. Un año después tuvo lugar el Primer Seminario de Música Electrónica en Checoslovaquia , organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen.

A partir de este momento, se siguieron desarrollando nuevos instrumentos, donde uno de los más importantes avances tuvo lugar en , cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog , el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje.

Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado llamado Minimoog , que fue utilizado por multitud de compositores y universidades, haciéndose así muy popular. Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach , de Wendy Carlos. En , Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales Grupo de Investigación Musical para el estudio y la investigación de la música electrónica.

Su programación está estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión, investigación y creación de la música contemporánea y las tendencias en videoarte e imagen más actuales. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfaces de audio-vídeo y una plantilla de músicos y videoartistas nacionales e internacionales abiertos al uso de tecnologías punta.

CSIRAC , el primer computador en reproducir música, realizó este acto públicamente en agosto de Un año antes, LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la Universidad del Estado de Iowa para reproducir canciones sencillas y reconocibles a través de un altavoz amplificado adherido a un sistema originalmente utilizado para temas administrativos y de diagnóstico.

Los años 50, 60 y la década de los 70, presenciaron también el desarrollo de grandes marcos operativos para la síntesis informática. En , Max Mathews de Bell Labs, desarrolló el programa MUSIC, culminando un lenguaje de síntesis directa digital. Répons , obra para 24 músicos y 6 solistas de Pierre Boulez , utilizó el sistema 4X para transformar y dirigir a los solistas hacia un sistema de altavoces.

En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primera vez en los años 60 por miembros del Milton Cohen's Space Theater en Ann Arbor, Míchigan , entre los que se encontraban Gordon Mumma , Robert Ashley , David Tudor y The Sonic Arts Union, fundada en por los nombrados anteriormente, incluyendo también a Alvin Lucier y David Behrman.

Los festivales ONCE, que mostraban música multimedia para teatro, fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre y En , John Cage compuso Cartridge Music , una de las primeras obras de electrónica en vivo.

Los compositores y músicos de jazz , Paul Bley y Annette Peacock , fueron de los primeros en tocar en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia finales de Peacock hacía un uso regular de un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de estudio.

Con el transcurrir del tiempo, se empezaron a formar eventos sociales que trataban de aglutinar una gran cantidad de conciertos con varios artistas en directo.

Hasta el momento son muchos los festivales que han manifestado la escena electrónica, marcando muchos de ellos récords de asistencia masiva al evento. Algunos festivales más representativos y destacados del género son:. Actualmente siguen surgiendo megafestivales que buscan expandir la esencia del género electrónico.

Robert Moog también conocido como Bob Moog , a finales de , conoció al compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el Sintetizador Modular Moog. El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue presentado a la sociedad en el otoño de , cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio, celebrada en Los Ángeles.

En esta convención, Moog ya recibió sus primeros pedidos y el negocio despegó. La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años, haciéndose aún más conocida cuando Wendy Carlos editó el álbum Switched on Bach. Moog no supo gestionar bien su empresa y esta pasó de tener listas de espera de nueve meses a no recibir ningún pedido.

Agobiado por las deudas perdió el control de la empresa y fue adquirida por un inversor. Aun así, continuó diseñando instrumentos musicales hasta , cuando abandonó Moog Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. La Moog Music se derrumbó poco después.

En , Kato se acercó al ingeniero Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en la construcción de teclados musicales. Impulsado por el entusiasmo de Mieda, Kato le pidió construir un prototipo de teclado y, 18 meses después, Mieda le presentó un órgano programable.

La compañía Keio vendió este órgano bajo la marca Korg , hecha de la combinación de su nombre con la palabra órgano, en inglés Organ. Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60 y principios de los 70, pero, consciente de la competencia con los grandes fabricantes de órganos ya establecidos, Kato decidió usar la tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al mercado de los sintetizadores.

De hecho, el primer sintetizador de Keio MiniKorg fue presentado en Después del éxito de este instrumento, Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo durante los años y 80 bajo la marca Korg. En , Charles Wuorinen compuso Time's Encomium , convirtiéndose así en el primer ganador del Premio Pulitzer por ser una composición completamente electrónica.

A lo largo de los años , bandas como The Residents y Can abanderaron un movimiento de música experimental que incorporaba elementos de música electrónica. Can fue uno de los primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo, mientras que The Residents creaban sus propias cajas de ritmos.

También en esta época diferentes bandas de rock, desde Genesis hasta The Cars , comenzaron a incorporar sintetizadores en sus arreglos de rock. En , el músico Gary Numan contribuyó a llevar la música electrónica a un público más amplio con su hit pop Cars , del álbum The Pleasure Principle.

Otros grupos y artistas que contribuyeron significativamente a popularizar la música creada exclusiva o fundamentalmente de modo electrónico fueron Kraftwerk , Depeche Mode , Jean Michel Jarre , Mike Oldfield o Vangelis. En , un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una interfaz a través de la que diferentes instrumentos pudieran comunicarse entre ellos y con el ordenador principal.

El estándar se denominó MIDI Musical Instrument Digital Interface. En agosto de , la especificación 1. La llegada de la tecnología MIDI permitió que con el simple acto de presionar una tecla, controlar una rueda, mover un pedal o dar una orden en un microordenador, se pudieran activar todos y cada uno de los dispositivos del estudio remotamente y de forma sincronizada, respondiendo cada dispositivo de acuerdo a las condiciones prefijadas por el compositor.

Miller Puckette desarrolló un software para el procesamiento gráfico de señal de 4X llamado Max , que posteriormente sería incorporado a Macintosh para el control de MIDI en tiempo real, haciendo que la composición algorítmica estuviera disponible para cualquier compositor que tuviera un mínimo conocimiento de programación informática.

En , la empresa australiana Fairlight lanzó el Fairlight CMI Computer Musical Instrument , el primer sistema práctico de sampler polifónico digital. En , Yamaha introdujo el primer sintetizador digital autónomo, el DX-7 , el cual utilizaba síntetis de modulación de frecuencia síntesis FM , probada por primera vez por John Chowning en Stanford a finales de los años Hacia finales de los años 80, los discos de música de baile que utilizaban instrumentación exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares.

Esta tendencia ha continuado hasta el presente, siendo habitual escuchar música electrónica en los clubs de todo el mundo.

En los años 90, comenzó a ser posible llevar a cabo actuaciones con la asistencia de ordenadores interactivos. Otro avance reciente es la composición Begin Again Again de Tod Machover MIT y IRCAM para hyper chelo, un sistema interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del chelista.

Max Methews desarrolló el programa Conductor para control en tiempo real del tempo, la dinámica y el timbre de un tema electrónico. A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza, la producción musical es posible utilizando medios que no guardan ninguna relación con las prácticas tradicionales.

Lo mismo ocurre con los conciertos, extendiéndose su práctica utilizando ordenadores portátiles y live coding. Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos.

En las décadas de y surgieron diferentes entornos virtuales de estudio construidos sobre software , entre los que destacan productos como Reason , de Propellerhead, y Ableton Live , que se hacen cada vez más populares. Estas herramientas proveen alternativas útiles y baratas para los estudios de producción basados en hardware.

Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores , se hace posible crear música de elevada calidad utilizando poco más que un solo ordenador.

Estos avances han democratizado la creación musical, incrementándose así masivamente y estando disponible al público en internet. El avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos, antiguamente solo existentes como hardware, estén ahora disponibles como piezas virtuales, herramientas o plugins de los software.

Los avances en la miniaturización de los componentes electrónicos, que en su época facilitaron el acceso a instrumentos y tecnologías usadas solo por músicos con grandes recursos económicos, han dado lugar a una nueva revolución en las herramientas electrónicas usadas para la creación musical.

Por ejemplo, durante los años 90, los teléfonos móviles incorporaban generadores de tonos monofónicos que algunas fábricas usaron no solo para generar los Ringtones de sus equipos, sino que permitieron a sus usuarios tener algunas herramientas de creación musical.

Posteriormente, los cada vez más pequeños y potentes computadores portátiles, computadores de bolsillo y asistentes digitales personales del inglés PDA abrieron camino a las actuales tablets y teléfonos inteligentes que permiten no solo el uso de generadores de tono, sino el de otras herramientas como samplers , sintetizadores monofónicos y polifónicos, grabación multipista , etc.

Los que permiten la creación musical en casi cualquier lugar. Contenidos mover a la barra lateral ocultar. Artículo Discusión. Leer Editar Ver historial. Herramientas Herramientas.

Es famosa Electtónica su Ganar premio instantáneo ejecución en del tema central de Doctor Ruleta de la Suerte Onlinecompuesto por Ron Grainer y reconocida por algunos Electróónica la pieza de música electrónica más conocida en el mundo. Su lanzamiento más notable, los novedosos kits de transformación. Con esta solución Electrónica de vanguardia vanguardiia convertir la grifería Ruleta de la Suerte Online dde ya instaladaen grifería Ruleta de la Suerte Online fanguardia accionamiento mediante sensor, fácilmente y sin obras. Podemos usar todo. A partir de este momento, se siguieron desarrollando nuevos instrumentos, donde uno de los más importantes avances tuvo lugar encuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moogel primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje. Un año más tarde Radiodiffusion-Télévision Française RTFla organización pública francesa de radiodifusión, creó en el primer estudio para la producción de música electrónica iniciativa que sería desarrollada también en diferentes países convirtiéndose en una tendencia global. MASAS DE SONIDO Introducción La música popular para ser escuchada Nuevas vanguaridas Vanguardias de posguerra: serialismo integral Vanguardias de posguerra II: Indeterminación Vanguardias de posguerra III: Música electrónica y concreta.

Electrónica de vanguardia - Electrónica de vanguardia. En Eufònic hay espacio para todo tipo de propuestas, siempre con la experimentación y la búsqueda constante como objetivo, lejos de Duration Una solución óptima y rápida, sin obras, para dotar a las instalaciones de máximo ahorro de agua, seguridad, higiene para evitar contagios, así La música electrónica es aquel tipo de música que emplea instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su producción e

El nacimiento e impulso de la denominada Elektronische Musik se debió fundamentalmente a los trabajos del compositor Karlheinz Stockhausen Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Pierre Schaeffer durante y posteriormente, durante varios años, en el Estudio de Música Electrónica de la Westdeutscher Rundfunk WDR de Colonia Alemania.

De esta manera la Elektronische Musik se diferenciaba notablemente de la música concreta francesa impulsada por Schaeffer que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas.

El Estudio de Música Electrónica de la Westdeutscher Rundfunk alcanzó fama internacional. Su fundación tuvo lugar en cuando el físico Werner Meyer-Eppler , el técnico de sonido Robert Beyer y el compositor Herbert Eimert convencieran al director de la WDR , Hanns Hartmann , de la necesidad de dicho espacio.

En el mismo año de su creación fueron transmitidos los primeros estudios de música electrónica en un programa de la propia radio y presentados en los Cursos de Verano de Darmstadt.

En hubo una demostración pública en la sala de conciertos de la Radio de Colonia donde se interpretaron siete piezas electrónicas.

Los compositores de los estudios electrónicos eran Herbert Eimert , Karel Goeyvaerts , Paul Gredinger , Henry Pousseur y Karlheinz Stockhausen. El programa comprendía las siguientes piezas:.

Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes, el estudio de música electrónica de Colonia se convirtió en un emblema del avant-garde o vanguardismo , cuando se empezó a combinar sonidos generados electrónicamente con los de instrumentos tradicionales. En Stockhausen compuso Elektronische Studie II la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora.

En el año el estudio fue cerrado pero ese mismo año se anunció que un cliente anónimo había comprado el edificio en el que Stockhausen había nacido en y que lo estaba rehabilitando con la intención inicial de crear allí un espacio de exposición para el arte moderno con el museo del WDR Estudio para Música Electrónica instalado en el primer piso.

Aunque los primeros instrumentos electrónicos como el Ondas Martenot , el Theremín o el Trautonio eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores como Minao Shibata o Tōru Takemitsu habían tenido conocimiento de ellos en su momento.

Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con un nuevo género y que sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de la tecnología musical durante las siguientes décadas.

Tras la creación de la compañía Sony conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K. En , Takemitsu concibió una tecnología que pudiese traer ruido dentro de tonos musicales atemperados y en el interior de un pequeño y complejo tubo, una idea similar a la música concreta que Pierre Schaeffer había aventurado en el mismo año.

En , Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera " sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento como ese, "la escena musical sería cambiada drásticamente".

Ese mismo año Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type. En el estudio de música electrónica Jikken Kōbō sería fundado por un grupo de músicos que querían producir música electrónica experimental. Considerados un grupo avant-garde entre sus miembros se encontraban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa , y contaban con el apoyo de Sony, empresa que ofrecía acceso a su tecnología de audio.

La compañía contrató a Takemitsu para componer música electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos. Las primeras grabaciones de Jikken Kōbō, compuestas por Kuniharu Akiyama en , fueron «Toraware no Onna» «Mujer prisionera» y «Piece B».

Sin embargo también ofrecieron conciertos en los que proyectaban diapositivas sincronizadas con una banda sonora grabada. Más allá del Jikken Kōbō Japón vio desarrollar su labor a muchos otros compositores como Yasushi Akutagawa , Saburo Tominaga y Shiro Fukai quienes, en y , estaban experimentando con música electroacústica.

Esto llevó a que varios músicos electroacústicos japoneses hicieran uso del serialismo y las técnicas dodecafónicas , evidente en la pieza dodecafónica de Yoshirō Irino «Concerto da Camera» en la organización de los sonidos electrónicos en la composición de Mayuzumi «X, Y, Z for Musique Concrète» o, más tarde, en la música electrónica de Shibata en A imitación del Estudio de Música Electrónica de la Westdeutscher Rundfunk , impulsora de la Elektronische Musik de Karlheinz Stockhausen, la radiodifusora pública NHK estableció un estudio de música electrónica en Tokio en , que se convirtió en una de las principales instalaciones de música electrónica del mundo.

Impulsado por Toshirō Mayuzumi el estudio se equipó con tecnologías como equipos de generación de tonos y procesamiento de audio, equipos de grabación y radiofónicos, ondas Martenot, Monocordio y Melocordio , osciladores sinusoidales , magnetófonos , moduladores en anillo, filtros paso banda, y mezcladoras de canales de cuatro y ocho pistas.

Los músicos asociados con el estudio incluyeron a Mayuzumi , Minao Shibata , Joji Yuasa , Toshi Ichiyanagi y Tōru Takemitsu. La composición musical que se considera da origen a la música electrónica en Estados Unidos se estrenó a principios de Mientras trabajaba en Seattle Cage experimentó con el equipo electrónico del estudio de grabación de la Cornish School y compuso una parte para Imaginary Landscape No.

El compositor y director de orquesta Otto Luening indicó que era una pieza coescrita por el y John Cage, si bien figura como trabajo colaborativo de Cage finalizado en En Luening afirmó que se interpretó, bajo el título William Mix , en un Festival musical celebrado en Donaueschingen Alemania.

Según Luening la recepción de Williams Mix fue un éxito donde causó una "fuerte impresión". En con miembros de la Escuela de Nueva York se formó el denominado The Music for Magnetic Tape Project El Proyecto Música para Cintas Magnéticas. Integrado por John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , David Tudor y Morton Feldman sus actividades se prolongaron durante tres años hasta De carácter experimental y vanguardista el grupo carecía de instalaciones permanentes propias y tuvo que depender del tiempo libre que les cedían estudios de sonido comerciales, incluido el estudio propiedad de Louis y Bebe Barron.

el trabajo de Earle Brown, Morton Feldman y Christian Wolff continúa presentando una luz brillante, por la razón de que la acción es provocativa en anotación, interpretación y audición".

Esta pieza está pensada para vientos, metales, percusión, cuerdas, dos osciladores y efectos de sonido. También en la Universidad de Columbia Nueva York adquirió su primera grabadora, una máquina Ampex profesional, para grabar conciertos.

Vladimir Ussachevsky , que impartía clases en la facultad de música, fue la persona encargada del dispositivo y casi de inmediato comenzó a experimentar con él. Herbert Russcol indicó al respecto: "Pronto estuvo intrigado con las nuevas sonoridades que podía lograr grabando instrumentos musicales y luego superponiéndolos unos a otros".

El jueves 8 de mayo de , Ussachevsky ejecutó, en el Teatro McMillin de la Universidad de Columbia, diversas muestras de música de cinta y efectos que creó en el denominado Foro de Compositores. Estos incluyeron transposición , reverberación , experimento , composición y vals subacuático.

En una entrevista afirmó: "Presenté algunos ejemplos de mi descubrimiento en un concierto público en Nueva York junto con otras composiciones que había escrito para instrumentos convencionales".

Otto Luening, que había asistido a este concierto, comentó: " El equipo a su disposición consistía en una grabadora de cinta Ampex y un dispositivo simple con forma de caja diseñado por el joven y brillante ingeniero Peter Mauzey para crear retroalimentación, una forma de reverberación mecánica.

El resto del equipo fue prestado o comprado con fondos personales". En agosto de Ussachevsky, invitado por Luening, viajó a Bennington Vermont para presentar sus experimentaciones.

Allí ambos colaboraron en varias piezas. Luening describió el evento: "Equipado con auriculares y una flauta, comencé a desarrollar mi primera composición para grabadora. Ambos improvisamos con fluidez y el medio disparó nuestra imaginación".

La noticia llegó rápidamente a la ciudad de Nueva York. Oliver Daniel telefoneó e invitó a la pareja a "producir un grupo de composiciones breves para el concierto de octubre patrocinado por American Composers Alliance y Broadcast Music, Inc.

Henry Cowell puso a nuestra disposición su casa y su estudio en Woodstock. Con el equipo prestado en la parte trasera del automóvil de Ussachevsky, salimos de Bennington hacia Woodstock y nos quedamos dos semanas.

A fines de septiembre de el laboratorio ambulante llegó a la sala de estar de Ussachevsky en Nueva York, donde finalmente completamos las composiciones". El concierto incluyó Fantasy in Space de Luening , "una pieza impresionista de virtuosismo" que emplea grabaciones manipuladas de flauta, y Low Speed , una "composición exótica que llevó a la flauta muy por debajo de su rango natural".

Después de que varios conciertos causaron sensación en la ciudad de Nueva York, Ussachevsky y Luening fueron invitados a una transmisión en vivo del Today Show de NBC para hacer una entrevista y realizar la primera actuación electroacústica televisada.

Luening describió el evento: "Improvisé algunas secuencias [de flauta] para la grabadora. Ussachevsky en ese momento las sometió a transformaciones electrónicas". La aparición de los ordenadores como equipos utilizados para componer música supusieron un importante desarrollo de la música electrónica en contraposición a la manipulación o creación de sonidos.

La capital francesa será su centro de trabajo tanto en su desarrollo musical como en sus facetas de matemático y arquitecto siendo colaborador de Le Corbusier. En Australia , se desarrolló la primera computadora del mundo capaz de interpretar música.

Denominada CSIRAC fue un prototipo dado a conocer en diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó la computadora para tocar melodías musicales populares de principios de la década de En interpretó en público la pieza Colonel Bogey March , de la que no se guardan grabaciones pero sí una reconstrucción exacta.

Sin embargo el CSIRAC simplemente se utilizó como una computadora con capacidad para interpretar un repertorio musical estándar pero no se llegó a utilizar para otras prácticas como la composición como si hiciera Iannin Xenakis.

Las interpretaciones registradas con esta computadora nunca se grabaron aunque sí existen reconstrucciones de la música reproducida con precisión. Las grabaciones más antiguas conocidas de música generada por computadora fueron interpretadas por la computadora Ferranti Mark I , una versión comercial para su venta fuera del circuito educativo de la computadora Baby Machine creada por la Universidad de Mánchester en el otoño de El programa musical interpretado por la Ferranti Mark I fue escrito por Christopher Strachey.

En aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Fueron importantes la creación del Estudio de Fonología, un estudio en el NHK de Tokio y el estudio de Phillips en Eindhoven , Holanda , que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en El impacto de los computadores continuó durante Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, siendo la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición.

Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories , quien desarrolló el influyente programa MUSIC I. La tecnología del vocoder fue otro importante desarrollo de esta época. En , Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge , la primera gran obra del estudio de Colonia, basada en un texto del Libro de Daniel.

Un importante desarrollo tecnológico fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott , con ensamblaje de Robert Moog. Otro de los hitos de la música electrónica estadounidense fue la publicación de la banda sonora de Forbidden Planet compuesta y producida por Louis y Bebe Barron.

Wilcox y protagonizada por Walter Pidgeon , Anne Francis y Leslie Nielsen , la música compuesta fue realizada empleando únicamente circuitos electrónicos personalizados y grabadoras de sonido.

Pese a la carencia de sintetizadores , en el sentido contemporáneo ya que dicho instrumento tardaría algunos años en desarrollarse, su impacto en la cultura popular fue notable ya que fue la primera ocasión en que un gran estudio de Hollywood apostó por este tipo de sonidos para uno de sus proyectos.

El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en A diferencia de los primeros Theremin y Ondes Martenot, este era difícil de usar pues requería una extensa programación y no podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico, el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula termoiónica e incorporaba el primer secuenciador.

Fue diseñado por RCA e instalado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, donde sigue en la actualidad. Posteriormente, Milton Babbitt , influenciado en sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento musical" de Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica.

Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la académica sino también para algunos artistas independientes a medida que la tecnología del sintetizador se volvía más accesible.

En esta época, una poderosa comunidad de compositores y músicos que trabajaba con nuevos sonidos e instrumentos se había establecido y estaba creciendo. Durante estos años aparecen composiciones como Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la premier de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión.

En esta última, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo acercamiento, que él denominó como "forma momento", se recuerdan las técnicas de cinematic splice del cine de principios del siglo XX.

El primero de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla , en , siendo producto del esfuerzo del compositor de música concreta Morton Subotnick. El Theremin había sido utilizado desde los años 20, manteniendo una cierta popularidad gracias a su utilización en numerosas bandas sonoras de películas de ciencia ficción de los años 50 por ejemplo: The Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann.

Durante los años 60, el Theremin hizo apariciones ocasionales en la música popular. En el Reino Unido, durante este período, el BBC Radiophonic Workshop creado en emergió como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie de ciencia ficción Doctor Who.

Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes de este período fue Delia Derbyshire. Es famosa por su icónica ejecución en del tema central de Doctor Who , compuesto por Ron Grainer y reconocida por algunos como la pieza de música electrónica más conocida en el mundo.

Derbyshire y sus colegas, entre los que se encuentran Dick Mills , Brian Hodgson creador del efecto de sonido TARDIS , David Cain , John Baker , Paddy Kingsland y Peter Howell , desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras, atmósferas, sinfonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio.

En , Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in Israel en la Universidad Hebrea , y en Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el centro. Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador, que fue creado mediante el RCA en el CPEMC.

Las colaboraciones se realizaban superando las barreras de los océanos y continentes. En , Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio CPEMC , siendo asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel. La intensa actividad del CPEMC, entre otros, inspiró a la creación en San Francisco del Tape Music Center en , por Morton Subotnick junto a otros miembros adicionales, como Pauline Oliveros , Ramón Sender, Terry Riley y Anthony Martin.

Un año después tuvo lugar el Primer Seminario de Música Electrónica en Checoslovaquia , organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen.

A partir de este momento, se siguieron desarrollando nuevos instrumentos, donde uno de los más importantes avances tuvo lugar en , cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog , el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje.

Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado llamado Minimoog , que fue utilizado por multitud de compositores y universidades, haciéndose así muy popular. Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach , de Wendy Carlos.

En , Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales Grupo de Investigación Musical para el estudio y la investigación de la música electrónica. Su programación está estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión, investigación y creación de la música contemporánea y las tendencias en videoarte e imagen más actuales.

Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfaces de audio-vídeo y una plantilla de músicos y videoartistas nacionales e internacionales abiertos al uso de tecnologías punta.

CSIRAC , el primer computador en reproducir música, realizó este acto públicamente en agosto de Un año antes, LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la Universidad del Estado de Iowa para reproducir canciones sencillas y reconocibles a través de un altavoz amplificado adherido a un sistema originalmente utilizado para temas administrativos y de diagnóstico.

Los años 50, 60 y la década de los 70, presenciaron también el desarrollo de grandes marcos operativos para la síntesis informática.

En , Max Mathews de Bell Labs, desarrolló el programa MUSIC, culminando un lenguaje de síntesis directa digital.

Répons , obra para 24 músicos y 6 solistas de Pierre Boulez , utilizó el sistema 4X para transformar y dirigir a los solistas hacia un sistema de altavoces. En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primera vez en los años 60 por miembros del Milton Cohen's Space Theater en Ann Arbor, Míchigan , entre los que se encontraban Gordon Mumma , Robert Ashley , David Tudor y The Sonic Arts Union, fundada en por los nombrados anteriormente, incluyendo también a Alvin Lucier y David Behrman.

Los festivales ONCE, que mostraban música multimedia para teatro, fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre y En , John Cage compuso Cartridge Music , una de las primeras obras de electrónica en vivo. Los compositores y músicos de jazz , Paul Bley y Annette Peacock , fueron de los primeros en tocar en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia finales de Peacock hacía un uso regular de un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de estudio.

Con el transcurrir del tiempo, se empezaron a formar eventos sociales que trataban de aglutinar una gran cantidad de conciertos con varios artistas en directo.

Hasta el momento son muchos los festivales que han manifestado la escena electrónica, marcando muchos de ellos récords de asistencia masiva al evento. Algunos festivales más representativos y destacados del género son:.

Actualmente siguen surgiendo megafestivales que buscan expandir la esencia del género electrónico. Robert Moog también conocido como Bob Moog , a finales de , conoció al compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el Sintetizador Modular Moog.

El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue presentado a la sociedad en el otoño de , cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio, celebrada en Los Ángeles.

En esta convención, Moog ya recibió sus primeros pedidos y el negocio despegó. La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años, haciéndose aún más conocida cuando Wendy Carlos editó el álbum Switched on Bach.

Moog no supo gestionar bien su empresa y esta pasó de tener listas de espera de nueve meses a no recibir ningún pedido. Agobiado por las deudas perdió el control de la empresa y fue adquirida por un inversor.

Aun así, continuó diseñando instrumentos musicales hasta , cuando abandonó Moog Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. La Moog Music se derrumbó poco después. En , Kato se acercó al ingeniero Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en la construcción de teclados musicales.

Impulsado por el entusiasmo de Mieda, Kato le pidió construir un prototipo de teclado y, 18 meses después, Mieda le presentó un órgano programable. La compañía Keio vendió este órgano bajo la marca Korg , hecha de la combinación de su nombre con la palabra órgano, en inglés Organ.

Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60 y principios de los 70, pero, consciente de la competencia con los grandes fabricantes de órganos ya establecidos, Kato decidió usar la tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al mercado de los sintetizadores.

De hecho, el primer sintetizador de Keio MiniKorg fue presentado en Después del éxito de este instrumento, Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo durante los años y 80 bajo la marca Korg.

En , Charles Wuorinen compuso Time's Encomium , convirtiéndose así en el primer ganador del Premio Pulitzer por ser una composición completamente electrónica. A lo largo de los años , bandas como The Residents y Can abanderaron un movimiento de música experimental que incorporaba elementos de música electrónica.

Can fue uno de los primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo, mientras que The Residents creaban sus propias cajas de ritmos. También en esta época diferentes bandas de rock, desde Genesis hasta The Cars , comenzaron a incorporar sintetizadores en sus arreglos de rock.

En , el músico Gary Numan contribuyó a llevar la música electrónica a un público más amplio con su hit pop Cars , del álbum The Pleasure Principle. Otros grupos y artistas que contribuyeron significativamente a popularizar la música creada exclusiva o fundamentalmente de modo electrónico fueron Kraftwerk , Depeche Mode , Jean Michel Jarre , Mike Oldfield o Vangelis.

En , un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una interfaz a través de la que diferentes instrumentos pudieran comunicarse entre ellos y con el ordenador principal. El estándar se denominó MIDI Musical Instrument Digital Interface.

En agosto de , la especificación 1. La llegada de la tecnología MIDI permitió que con el simple acto de presionar una tecla, controlar una rueda, mover un pedal o dar una orden en un microordenador, se pudieran activar todos y cada uno de los dispositivos del estudio remotamente y de forma sincronizada, respondiendo cada dispositivo de acuerdo a las condiciones prefijadas por el compositor.

Miller Puckette desarrolló un software para el procesamiento gráfico de señal de 4X llamado Max , que posteriormente sería incorporado a Macintosh para el control de MIDI en tiempo real, haciendo que la composición algorítmica estuviera disponible para cualquier compositor que tuviera un mínimo conocimiento de programación informática.

En , la empresa australiana Fairlight lanzó el Fairlight CMI Computer Musical Instrument , el primer sistema práctico de sampler polifónico digital. En , Yamaha introdujo el primer sintetizador digital autónomo, el DX-7 , el cual utilizaba síntetis de modulación de frecuencia síntesis FM , probada por primera vez por John Chowning en Stanford a finales de los años Hacia finales de los años 80, los discos de música de baile que utilizaban instrumentación exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares.

Esta tendencia ha continuado hasta el presente, siendo habitual escuchar música electrónica en los clubs de todo el mundo. En los años 90, comenzó a ser posible llevar a cabo actuaciones con la asistencia de ordenadores interactivos.

Otro avance reciente es la composición Begin Again Again de Tod Machover MIT y IRCAM para hyper chelo, un sistema interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del chelista. Max Methews desarrolló el programa Conductor para control en tiempo real del tempo, la dinámica y el timbre de un tema electrónico.

A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza, la producción musical es posible utilizando medios que no guardan ninguna relación con las prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre con los conciertos, extendiéndose su práctica utilizando ordenadores portátiles y live coding.

Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos. En las décadas de y surgieron diferentes entornos virtuales de estudio construidos sobre software , entre los que destacan productos como Reason , de Propellerhead, y Ableton Live , que se hacen cada vez más populares.

Estas herramientas proveen alternativas útiles y baratas para los estudios de producción basados en hardware. Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores , se hace posible crear música de elevada calidad utilizando poco más que un solo ordenador.

Estos avances han democratizado la creación musical, incrementándose así masivamente y estando disponible al público en internet. El avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos, antiguamente solo existentes como hardware, estén ahora disponibles como piezas virtuales, herramientas o plugins de los software.

Los avances en la miniaturización de los componentes electrónicos, que en su época facilitaron el acceso a instrumentos y tecnologías usadas solo por músicos con grandes recursos económicos, han dado lugar a una nueva revolución en las herramientas electrónicas usadas para la creación musical.

Por ejemplo, durante los años 90, los teléfonos móviles incorporaban generadores de tonos monofónicos que algunas fábricas usaron no solo para generar los Ringtones de sus equipos, sino que permitieron a sus usuarios tener algunas herramientas de creación musical.

Posteriormente, los cada vez más pequeños y potentes computadores portátiles, computadores de bolsillo y asistentes digitales personales del inglés PDA abrieron camino a las actuales tablets y teléfonos inteligentes que permiten no solo el uso de generadores de tono, sino el de otras herramientas como samplers , sintetizadores monofónicos y polifónicos, grabación multipista , etc.

Los que permiten la creación musical en casi cualquier lugar. Fanzine Fest, el festival gallego de música electrónica de vanguardia de referencia en el noroeste peninsular se prepara para desembarcar el próximo v iernes, 24 de noviembre, en Madrid.

El Ballesta Club acogerá una fiesta de presentación del evento, que celebrará su novena edición del 4 al 9 de diciembre en A Coruña. Fanzine Fest ofrecerá, a lo largo de seis jornadas, una visión heterogénea y actual de la vanguardia musical. En su programación, en la que conviven por igual las artes sonoras y visuales , confluyen figuras de trayectoria internacional con creadoras y creadores emergentes del ámbito local o gallego, con la intención de visualizar y proyectar el tejido electrónico de proximidad.

Así, nombres como Steffi, Samuel Kerridge, Acidulant, Nullptr o Boris Divider compartirán cartel con artistas procedentes de distintas regiones de Galicia. Es el caso de Vjs y Djs como Baldo, Lefrenk, ROI o The Panic Room, entre otros. Durante casi una semana, la escena electrónica se expande por la geografía coruñesa a través de lives AV y dj set, proyecciones, charlas o talleres formativos, tanto para público infantil como adulto.

Recintos vinculados a la creación contemporánea o a la investigación, como los Museos Científicos o la Fundación Luis Seoane, así como espacios históricos de la ciudad, como el Castillo de San Antón o la Iglesia de las Capuchinas, acogen sesiones musicales, presentaciones de videocreaciones o piezas fulldome , coloquios e instalaciones interactivas.

Con el objetivo de seguir fortaleciendo y dando a conocer el ecosistema electrónico del noroeste, Fanzine Fest inició el pasado mes de octubre una gira de presentación, que ha llevado a sus promotores a recorrer de norte a sur la Península Ibérica, visitando localidades como Santiago de Compostela, Málaga, Porto o León, a través de la música de artistas gallegos y residentes en las ciudades de acogida.

El próximo viernes 24, Fanzine Fest llega por fin a Madrid. La cita en el céntrico Ballesta Club, que pondrá el punto y final a esta serie de eventos, comenzará a las Los artistas coruñeses ROI figura imprescindible del techno gallego de los últimos años y Lefrenk, que formarán parte del cartel de Fanzine Fest , viajarán hasta la metrópoli para compartir cartel con la gallega DJ Elektrógena, habitual en las cabinas de la capital, y el madrileño Ideograma, uno de los referentes de la escena de las últimas décadas.

Las entradas para el evento de presentación de Fanzine Fest en Madrid ya se pueden adquirir a través de la plataforma web Resident Advisor. Para más información sobre el festival, se puede visitar www.

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By Vizahn

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